Estreno del documental peruano RUIDO VULGAR Extremos sonoros en Lima
Domingo 09 de Octubre, 7:30 p.m.
Centro Cultural de España, Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz, Lima
Ingreso libre
Un recorrido por la escena Noise en Lima es tratado por el documental Ruido Vulgar Extremos sonoros en Lima, en la que más de veinte artistas nos dan su testimonio y comparten material inédito. El Miércoles 12 de Octubre a las 7:00 p.m. en la Universidad San Martín, en la Facultad de Ciencias de la Comunicación- Área de radio. Estudio B. 5to piso. - Avenida Tomas Marsano 151 Surquillo, se realizará la presentación y un conversatorio con Francisco López (Ruidista Español) y artistas del documental, el ingreso es libre.
El documental da una mirada a la historia del Noise en Lima, su práctica, espacios de desarrollo y su particular visión de la música en la que salen a flote sus vínculos con el punk y la música contemporánea. La negación de todo principio formal y su relación con el performance son expuestas a través del testimonio de más de 20 artistas y material de archivo nunca antes difundido.
Desde sus orígenes a mediados de los 80s con grupos como Atrofia Cerebral, Audición Irritable, Distorsión Desequilibrada pasando por la experimentación de Crisálida Sónica y los grupos de música industrial de mediados de los 90s hasta la actualidad con artistas como Jardín, Christian Galarreta, Paruro, Liquidarlo Celuloide, Cuadrado Negro y la variedad de artistas peruanos de Noise que vienen haciéndose de un lugar en el circuito internacional como María Chávez o Animal Machine.
El documental cuenta esta historia secreta, siendo el primero en su género en realizarse en Latinoamérica. Pone en evidencia la importancia y consistencia de una escena que ha sabido reflejar el particular modo de ser una ciudad que para muchos es puro ruido.
RUIDO VULGAR: extremos sonoros en Lima
Dirección: Luis Alvarado. Duración: 85 min. Producido por: Gloria Arteaga, Daniela Moscoso, Omar Lavalle y Luis Alvarado. Buh Records & Algodón Realizadora
Atención indies que ya estaban hartos de conciertitos como los de Avril Lavigne: Automatic Entertainment presenta a Warren Defever, una de las figuras míticas de His Name Is Alive. Parte del legendario sello británico 4AD por 13 años, los sonidos etéreos y acústicos de His Name Is Alive son sólo comparables con grandes bandas de dicho sello, como Cocteau Twins, This Mortal Coil y Dead Can Dance. HNIA mezcla influencias de grupos como Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Lush, Stereolab con música folk americana y estilos experimentales.
Como productor Warren Defever ha trabajado con artistas de la 4AD como Licorice, Tarnation, Ian Masters de Pale Saints, así como con Iggy and the Stooges, Yoko Ono, Thurston Moore de Sonic Youth y más.
Discos de HNIA han sido descritos por Pitchfork como "alguien cantándote suavemente al oído”, mientras tanto David Bowie ubica el álbum del 2006 de HNIA dentro de sus 10 mejores recomendaciones de ese año.
La experiencia de un concierto de HNIA incluye canciones llenas de ruidos repentinos y una sorprendente diversidad de sonidos y texturas, tocando temas de discos de la época 4AD como “Livonia”. Las presentaciones más recientes, revelan saltos estilísticos, frenéticos y orgánicos, así como una batería de sonidos electrónicos. His Name Is Alive sigue creando un impresionante sonido en vivo lleno de vanguardia.
¿Dónde es la cita? En la discoteca Nébula: González Prada 194 (alt cdra 50 y 51 Av. Arequipa), Miraflores. Como invitados de la noche estarán las bandas nacionales Pauchi Sasaki y Resplandor. Entradas a la venta en Teleticket: S/. 50 + comisión de Teleticket.
“From the valley with love, hate, and other feelings”
Después de muchas lunas volvemos a escribir de una banda musical, y que mejor que comenzar de nuevo con ellos: En el ya lejano 2006 oímos por primera vez a los She Wants Revenge, el proyecto californiano con influencias pop-rock, post-punk, techno-pop y góticas conformado por Justin Warfield y Adam Bravin, quienes se dieron a conocer con el gran público vía su tremendo single de título Tear You Apart (uno de los mejores temas de ese año), que no podemos negar que cuando los escuchamos por primera vez pensamos al toque en Interpol, aunque luego de temas clásicos como la electrónica These Things o la darkie Sister, se ganaron un lugar en el universo indie.
Lanzado en mayo, Valleyheart es su tercer y nuevo álbum y Must Be The One es la canción elegida como su primer sencillo para un disco que se hizo esperar mucho (hablamos de cuatro años desde su segundo trabajo). Después de publicar su debut homónimo en el 2006 que tuvo una gran acogida, al año siguiente lanzaron la secuela del mismo con el título de This Is Forever, y decimos secuela por la relación de letras y música, además de las impactantes portadas que presentaron en blanco y negro. Ambos álbumes respetaban los estándares del post-punk y el oscurismo que tan de moda pusieron los revival de Interpol en la mitad de esta década.
Este nuevo disco significa un cambio de rumbo en su corta, pero fructífera carrera musical. Valleyheart es un disco más pop, no es tan oscuro que sus anteriores trabajos discográficos. ¿Razones? Puede ser que los cuatro años de pausa les hayan cambiado muchas cosas, ya sean sus tendencias musicales, sus experiencias de vida o simplemente quieren ponerse a tonear. Tan simple como eso.
Tuvimos que esperar casi 4 años para poder escuchar esta producción conformada por 10 temas y demostrarnos que a pesar del tiempo trasncurrido, y suponemos los problemas personales o de inspiración de Warfield y Bravin, ellos siguen esforzándose para seguir siendo reconocidos en el circuito independiente. La grave voz de su cantante Justin Warfield sigue siendo estremecedora y con ello los seguidores seguimos tras sus huellas.
Tras escuchar el disco, notamos que se mantiene un poco de esa oscuridad característica de sus dos entregas anteriores, pero con un sonido más fresco y variado hacia el sonido bailable, con ritmos y géneros que se mueven desde el alternativo y el new wave, hasta un “buen” pop. La banda suena renovada y menos forzada hacia la “oscuridad” que en This Is Forever del 2007, lo cual es un gran paso en cuanto a su paso a la madurez música y dejar de seguir siendo comparados con bandas como Joy Division o Interpol. Este es el momento preciso de ganar su propio espacio.
Sus dos primeros sencillos, Take The World y Must Be The One, demuestran es un disco que merece más atención por el gran público y ser disfrutado una vez tras otra, ya sea escuchándolo o haciendo el tono en la jato. A muchos puede ser que este giro que ha dado la música de la banda les caiga de un poco mal, sobre todo a los puristas, pero creemos que es una opción de saber hacia dónde van las bandas denominadas “post-punk” u “oscuras”. No son los únicos…
A sólo dos meses de haber ingresado oficialmente en la escena local mediante una pequeña campaña de descarga gratuita con avances de su primer álbum y habiendo recibido en esta una respuesta impresionante, el proyecto Bocanegra, conformado por músicos peruanos radicados en nuestro país y en los Estados Unidos, es un grupo sólido que viene generando creciente expectativa, como se demuestra en el record de reproducciones de su intervención musical en uno de los principales programas de la tv local como lo es Cinescape, conducido por Bruno Pinasco.
Carlos Bocanegra, vocalista, compositor principal y frontman tuvo una de las experiencias más gratificantes de su carrera al realizar la post producción del material de la banda en Chicago junto a Martin Atkins, uno de los personajes más requeridos dentro de la escena alternativa mundial, como consta en su foja de servicios para Public Image Ltd, Killing Joke, Ministry, Nine Inch Mails, The Damage Manual, Pigface y otros artistas representativos de la vanguardia y el rock visceral.
Por su parte, Josué Vásquez y Pablo Aranzazú (batería/letras y bajo respectivamente) los otros miembros fundadores de la banda, aseguran que Bocanegra posée un estilo único en nuestro medio, que inyectará altas dosis de adrenalina e irrumpirá con sonidos alucinantes cuando este jueves 3 de marzo salga al escenario de La Noche de Barranco, Av Bolognesi 307, en el Sin Argolla Fest II - junto a Sayonara, El Hombre Misterioso y El Syd - estrenando además en formato cd su 'Ep 1.1', incluyendo 5 tracks, entre ellos el single 'Love The Machine' cuyo video será realizado en breve por Iván Cavero, quien también es el encargado de crear el arte visual que Bocanegra proyectará en sus shows.
El 'Ep 1.1' publicado por el sello Urbanoide Records está a la venta en conciertos y a pedido vía el facebook oficial. Además, para los seguidores más entusiastas se ha lanzando un tiraje limitado con unidades que incluyen un cupón de obsequio y que sólo se pueden conseguir en 'Ciudad Disco' y con los que se podrá asistir a un concierto privado de Bocanegra que se anunciará muy pronto a través de facebook. 'Ciudad Disco' es la discotienda ubicada en Jr. José Gálvez 435 - 253 (2do piso) Galería Malena, Boulevard Magdalena del Mar.
Como dato a tomar en cuenta en futuros lanzamientos de la banda, estarán brindando igualmente el 'Ep 1.2' y 'Ep 1.3' como links de descarga gratuita como anticipos de lo que también pondrán a disposición en formato físico, cada uno incluyendo una versión remix de cada nuevo single, como el que realizó el músico Braulio Miki con el 'Love The Machine - Ghost In The Machine Rmx' para el Ep 1.1
Bocanegra ha sido convocado a participar en diferentes conciertos y festivales. Luego del show del Jueves 3, el sábado 5 de marzo serán parte del cartel del Indie Fest a realizarse en Zela Café Bar, Av. Nicolás de Piérola 961, junto a The Chinese Boy, Division Mayday y Armada.
Si aun no conoces la propuesta musical de Bocanegra, podrás apreciarlos en la intensa performance que dieron en el programa Cinescape y especiales entrevistas disponibles en el ciberespacio. Aquí su presentación en Cinescape con la canción Love the Machine:
Estaba revisando los posteos de esta semana (en los que definitivamente rompí el record de mostrar los avances de los próximos estrenos), y encontré en el del Red Band Trailer de Hit-Girl un anónimo donde me recomendaban ver el trailer de la película Kasi az gorbehayeh irani khabar nadareh / No One Knows About Persian Cats (Nadie Sabe Nada De Gatos Persas), así que como obediente blogger, seguí el consejo de este anónimo amigo(a) y me encontré con este excelente material que tienen que verlo sobre el indie rock iraní (líneas abajo les comentaré de la pela). Amantes del género, la van a pasar muy bien:
Tengo que agradecerle infinitamente a este anónimo colaborador, puesto que tenemos una visión desde Irán del mundo del rock y la sociedad castadora. Luego de la navegada informativa de rigor, les contaré que Nadie Sabe Nada de Gatos Persas, es la nueva película del turco Bahman Ghobadi, cuyo primer largometraje, A Time for Drunken Horses (2000), ganó la Cámara de Oro y el Premio de la Crítica Internacional en Cannes, y sus filmes Las tortugas también vuelan y Media luna, ganadoras de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en el 2004 y el 2006.
Con este filme, Ghobadi se adentra ahora en el mundo de las bandas que se mueven en la clandestinidad underground y esconden al régimen iraní su pasión por la música, ya que, a los ojos del Islam, ésta es impura, porque produce alegría y gozo. En Irán, en los últimos treinta años, cierta música, y en concreto la música occidental, ha sido prácticamente prohibida por las autoridades, y se ha visto forzada a ocultarse por temor a las represalias.
En este filme, dos jóvenes músicos, un hombre y una mujer que acaban de salir de la cárcel deciden formar un grupo musical. Juntos, exploran el submundo del Teherán contemporáneo en busca de otros intérpretes. Cuando las autoridades les prohíben cantar en Irán, planean escapar de su existencia clandestina y sueñan con actuar en Europa, pero, sin dinero y sin pasaportes, no es nada fácil…
“El título de la película tiene que ver con lo siguiente: no tenemos derecho a sacar de casa ni a perros ni a gatos. Sin embargo, en nuestras casas tenemos gatos a los que queremos mucho y, además, los gatos persas son muy caros. Yo los comparo con los jóvenes protagonistas de mi película, sin libertad y obligados a esconderse para tocar su música. ¡Y cuando he ido a las casas de los músicos, me he dado cuenta de que a los gatos les gusta estar delante de los amplis y escuchar!”, cuenta el director. Y este es el rap central de la banda sonora. Provecho y a abrirse al cine de todo el mundo...
La todavía fría noche limeña fue calentada ayer por el último de los megaeventos musicales de esta temporada, todos los cuales han marcado para siempre el corazón de los (ahora sí) afortunados melómanos peruanos. Y sin ánimo de cometer el sacrilegio de menospreciar a alguna de las leyendas musicales que nos han visitado este glorioso 2009, el recital de The Killers tenía un atractivo especial: era la primera vez que a Lima llegaba la banda anglosajona más popular… cuando es todavía la más popular. Sí, The Killers aterrizó en Lima siendo EL grupo del momento, uno de esos cada vez más raros fenómenos que siguen vendiendo discos por millones, y Brandon Flowers paseó sus botas por Larcomar en calidad del último gran frontman que ha parido el parnaso del Pop Rock.
Pero vayamos por partes. Las informaciones oficiales hablan de 35 mil almas en la Explanada del Estadio Monumental, y dados los ya muy conocidos problemas de acceso que adolece el cuartel de Universitario, ayer esa cantidad de público convirtió en una verdadera pesadilla la llegada y la salida, no importa el medio de transporte utilizado, incluyendo los pies. Y a esto le debemos sumar el hecho de que un estacionamiento nunca será ni por asomo tan adecuado para el máximo ritual del rock como lo es un buen estadio, pero mientras el Nacional esté en remodelación para los Panamericanos (jajajaja) y el de San Marcos no haya pasado aún su prueba de fuego con Metallica, pues nos tendremos que conformar. No todo podía ser perfecto en esta vida. Sin embargo, para los fanáticos de The Killers la velada de anoche rozó en más de un momento la perfección absoluta.
Lo más probable es que los cuatro de Las Vegas todavía no hayan escalado su pico creativo más alto, y nos estén debiendo aún su obra maestra, pero, ¡¡qué demonios!!, vaya que sí que tienen una buena cantidad de canciones poderosas e irresistibles. Y anoche no faltó casi ninguna. Con puntualidad inglesa que nos hizo recordar que en un comienzo los asesinos nos parecían más una branda británica que norteamericana, Flowers y compañía ejecutaron sus primeros acordes a las 10 en punto de la noche.
Luego de abrir con su último gran éxito, la pegajosa “Human”, y de un inusualmente bien pronunciado “Buenas noches, Lima, somos The Killers, y esta noche somos de ustedes”, los comandados por Brandon nos deleitaron no solo con algunos de sus nuevos temas y todos y cada uno de sus hits (“Somebody Told Me”, “Bones”, “Read My Mind”, “Smile Like You Mean It”, “All These Things That I’ve Done” y, en la apoteosis del final, “When You Were Young”) recorriendo sus tres álbumes oficiales, sino que también se dieron tiempo para obsequiarnos algunos cortes de su álbum de lados B y rarezas, Sawdust: la balada “Tranquilize” (sin Lou Reed, obvio, lástima) y el buen cover de Joy Division, “Shadowplay”. Y por si fuera poco, Brandon ensayó una breve pero emocionante versión casi capella de “Can’t Help Falling in Love”. Todo esto en tan solo hora y media de concierto, compacta y contundente, como los temas de la agrupación. Cabe añadir que lo único que personalmente extrañamos en el set list fue ese entrañable tema de su primer álbum llamado "Indie Rock'n Roll".
No faltaron las pantallas gigantescas (muy útiles para los que no pudieron desembolsar más de 100 soles), la pirotecnia espectacular y algunos otros alucinantes complementos al show musical, pero no estábamos ante Depeche Mode ni ante Pet Shop Boys, músicos geniales también en el aspecto visual de sus puestas en escenas, así que nada podía ser tan o más atractivo que simplemente disfrutar de la música, y de toda la energía y carisma a los que el buen Brandon ya nos tiene acostumbrados. Y es que sin duda el cantante confirmó su gran dominio escénico y se metió al bolsillo a todos desde el comienzo, en especial a las féminas, por obvias razones. Definitivamente ese final de concierto, con Brandon agitando la bandera peruana por incontables minutos ya es una postal imborrable en nuestra memoria. Del resto del grupo podemos decir que son músicos de oficio, cada uno en lo suyo, eficientes pero sin grandes pomposidades instrumentales, salvo el cada vez más calvo baterista Ronnie Vannucci Jr., quien sí se transformó en un incontenible animal tras sus platillos en más de un pasaje del concierto.
Algunas observaciones adicionales: nos impresionó gratamente la gran cantidad de púberes y niños que acudieron al recital. Por obvias cuestiones generacionales esperábamos muchos adolescentes más que en recientes conciertos, pero, al menos en Lima, The Killers tiene muchos fans de esos que más nos imaginamos delirando por los Jonas Brothers. Bien por eso. Por otro lado, un jalón de orejas para los organizadores en cuanto a la venta de bebidas. En algunas zonas muchos se pasaron literalmente más de la mitad del concierto haciendo cola por una cerveza, por la poca cantidad de quioscos y la lentitud de los vendedores. A revisar ese aspecto para la próxima.
Pero ya ningún inconveniente importa, ni siquiera los acostumbrados problemillas de sonido. La de ayer fue una noche increíble, en la que todos salimos inmensamente felices de ser víctimas de estos asesinos en serie...
Formados en el año 2000, han tenido que esperar 9 largos años para lograr el reconocimiento general, y todo gracias a una canción: Zero, tema que forma parte de su último disco It's Blitz!. ¿De quiénes estamos hablando? Pues del trío neoyorquino los Yeah Yeah Yeahs, una banda de indie rock y garage punk (yo diría una mezcla de lo más agresivo de la Velvet Underground con lo más melódico de Siouxsie and the Banshees) liderados por su ¿excéntrica, rara o única? cantante Karen O, siendo los otros miembros de esta trinidad musical Nick Zinner en la guitarra y sintetizadores y Brian Chase en la batería.
Esta banda tiene un sonido muy particular, por ahí leí que le dicen avant-punk (por su fusión con lo eléctrico), de ahí su diferenciación con las demás bandas de la Gran Manzana, su música es una mezcla de estilos retro con guitarras punk/rock fuertes, sonidos sintéticos y chillones, erráticos y voces bastante melancólicas a cargo de Karen O (Karen Orzolek), quien maneja en gran forma su estética y sabe pararse en el escenario como toda una diva punkie.
Su larguirucha vocalista merece un parráfo aparte. Considerada como una descendiente de Siouxsie Sioux, esta front-woman anda vestida muy brillantemente con unos increíbles trajes hechos por su diseñadora exclusiva Christian Joy marcando la tendencia en la moda rock (vean sus fotos en este site), pero no todo se queda en la estética…si pensabas que es una diva glamorosa tienes que verla en acción cuando chelea y la escupe por su boca como si fuera una pileta humana, cosas que la hacen única en su genero.
Su álbum debut se tituló Yeah Yeah Yeahs a secas y fue lanzado con 4 temas en el 2001, pero no fue hasta el 2003 en el que los Yeahs lanzaron su primer álbum llamado Fever to Tell, que recibió muy buenas críticas pero también fue censurado por considerar que tenía temas con letras sexuales explícitas, como Black Tongue, Tick o Modern Romance, destacando como uno de los mejores álbumes en el circuito Indie del 2003. Destaca entre todas Maps, que fue programada con frecuencia en las radios alternativas y se ubicó en los lugares de vanguardia en los rankings. Cabe destacar que ell video de Y Control, fue dirigido por Spike Jonze (del que veremos pronto Donde Viven los Monstruos), que estuvo relacionado con Karen O durante un tiempo.
Su segundo álbum, Show Your Bones, fué lanzó por su sello Interscope Records, el 28 de marzo del 2006. Según información que pude encontrar, el nombre del álbum está aparentemente inspirado por el antigenio de 9 años Drake Barrett, describiendo qué sucede cuando metes tus dedos en un enchufe eléctrico. El primer sencillo de este álbum bastante sucio pero brillante a la vez, fue Gold Lion, pero también tiene grandes temas como Fancy, Dudley, Mysteries o la dulce e impredecible Honeybear, en los que se siente ya un proceso de evolución en la banda.
Su nuevo proyecto vino este año de la mano del sello Interscope Records, con el título de It’s Blitz!, que salió a la venta el 13 de Abril en el Reino Unido y el 14 de Abril en los Estados Unidos. Su primer single fue el ya mencionado Zero, en el que Zinner (el guitarrista) utiliza los sintetizadores como nunca lo había hecho antes para dejar una pegajosa pero a la vez nostálgica canción. Para este disco, aprendió a experimentar con nuevos instrumentos, pedales, efectos y técnicas musicales. Lo curioso de este disco está en que después del avasallador sonido de Zero, aunque se mantiene en Heads Will Roll o Soft Shock, las demás canciones tienden a la calma, como las excelentes Runaway, Skeletons o Little Shadow, pero Zero es prácticamente el disco, y te lo dejo en su versión original del larga duración y en una presentación de Jools Holland (saca tus conclusiones):
Tras toda esta información, creo que ustedes mismos tienen que verlos y oÍrlos en acción…Para que tengan una idea bastante clara del sonido, imagen y postura de la banda, les recomiendo que vean su primer DVD dirigido por Lance Bangs, Tell Me What Rockers to Swallow', un concierto grabado en The Fillmore en San Francisco en el 2004 (aunque parezca un poco antiguo y no vaya de acuerdo con su reciente postura estética y musical), y que además todos los videos de la banda de ese momento y numerosas entrevistas. Como lo leí en uno de los artículos sobre la banda: Los Yeah Yeah Yeahs no están de moda. Son la moda.
La primera canción que escuché de manera casual de los Cobra Starship fue Bring It (Snakes on a Plane) cuyo video fue integrado durante los créditos de la película Serpientes a Bordo (Snakes on a Plane), un bastante fallido tributo a la serie B, ¿O un tributo a Ed Wood?. Bueno, a lo nuestro, esta canción me llamó la atención de esta banda pop punk (con algunos sonidos de new wave y synthpop) norteamericana, para ser más específicos de Nueva York, creada y liderada por el uruguayo, antes líder de la banda punk Midtown, Gabe Saporta en la voz, acompañado de Ryland Blackinton en la guitarra, Alex Suarez en el bajo, Nate Novarro en la batería y percusión y Victoria Asher en el Keytar.
¿Y por qué ese extraño nombre? ¿Alguna fijación de Saporta por los fakires o un gusto personal por las serpientes asiáticas? Según información que estuve leyendo en su bioweb, el nombre de la banda se debe a que cuando el cantante se encontraba solo en el desierto, quedó inconsciente cuando una cobra venenosa lo mordió, y en pleno estado de alucinación recibió un mensaje de esta cobra que le dijo que venía del futuro en una nave espacial. Esta historia se ve reflejada en el videoclip “Send my Love to the Dancefloor, I’ll See You In Hell (Hey Mr. DJ)”. ¿Hecho real o leyenda urbana?
Tras firmar contrato con la compañía discográfica Decaydance Records en julio del 2006 fue editado su primer álbum, While the City Sleeps, We Rule the Streets, que salió al mercado el 10 de octubre del mismo año, en el que se incluyó el single Bring It (Snakes on a Plane) del que les hablaba lìneas arriba, cuyo video fue integrado durante los créditos de la película y en los que aparecen (a manera de curiosidad les escribo esto porque sale gente de las diversas bandas de la movidita gringa actual): Gabe Saporta junto a William BeckettdeThe Academy Is..., Travis McCoy de los Gym Class Heroes, Maja Ivarsson de The Sounds y Pete Wentz el bajista de Fall Out Boy a manera de cameo.
Tras una serie de giras a nivel mundial, Cobra Starship editó su segundo álbum de curioso nombre, ¡Viva la Cobra!, aunque creo que consecuente con la banda, el 23 de octubre del 2007, siendo producido por el cantante de Fall Out Boy, Patrick Stump, quien también realizo algunas voces por su condición de amigo íntimo de la banda. Un dato importante de esta nueva producción fue que el álbum cover fue utilizado para promocionar la última edición del Ipod nano de Apple, el cual fue hecho del mismo color violeta que la famosa American Apparel Hoddie que usa Gabe.
Este 2009 se editó Hot Mess, su tercer disco y cuyo primer single, Good Girls Go Bad (del que tienen que escuchar su EP de hasta 7 versiones en diferentes estilos musicales que está buenísimo) cuenta con la participación de Leighton Meester, actriz que se ha hecho muy popular en Estados Unidos con la serie Gossip Girl, producida por Kevin Rudolf y co-escrita por Rudolf y Kara DioGuardi. Esta canción es el primer single de este álbum. Fue agregada en iTunes el 11 de mayo del 2009, y está disponible para escucharla en su página oficial de Myspace.
Otras canciones que integran este álbum son Pete Wentz Is The Only Reason We’re Famous, que salio en su página de Youtube y Myspace o Nice Guys Finish Last. Para este disco, la banda trabajó con Kara DioGuardi, Kevin Rudolf, KaratE! Mouse S*A*M, Sluggo y los compositores Benny Blanco y Patrick Stump. Pero para que tanta palabrería, mejor saquen ustedes su propia conclusión con el video de Good Girls Go Bad:
En su web oficial, donde crearon un podcast presentando videos llamado CobraCam.Tv, la banda realizo un sketch gracioso sobre los posibles nombres de este nuevo álbum (los cuales hacen parodia a algunos reconocidos álbumes) “Griller”, “Tha Ryland III”, y variaciones de su segundo álbum. Como datos de cierre, les cuento que se presentaron hace poco en los Premios MTV Latino America 2009 junto a la inefable Paulina Rubio, interpretando los temas "Good Girls Go Bad" de ellos mismos y "Ni Rosas Ni Juguetes" de la chica dorada, composición que pertenece a Gianmarco...¡Si, Gianmarco Zignago!, ganando el premio a la mejor presentacion. Esperemo pues si este será el disco de la consagración definitiva o será una banda más del montón. Calidad tienen, así que tiempo al tiempo...
Gracias a los amigos de Paisajes Eléctricos de España, bueno, al artículo de Txema Mañeru, me acabo de enterar que los míticos Sonic Youth tienen nuevo disco desde hoy 9 de junio, The Eternal, el número 16 en una edición de vinilo, disco compacto y digital. Como no he tenido la oportunidad de oir el mismo (les quiero dejar este artículo mientras lo trato de conseguir), les dejo la crítica y presentación que hizo Txema al respecto en la última edición de su web, ahí les va:
La década actual no ha sido especialmente fructífera en el plano comercial para los incansables Sonic Youth. De hecho tras un amplio periplo multinacional sin ventas millonarias pero con plena libertad artística, regresan a la independencia total que les vio nacer. Y lo hacen de la mano del prestigioso sello Matador Records (Yo La Tengo, Cat Power, Condo Fucks y mil más).
No se puede decir lo mismo de su calidad artística y su prestigio entre la crítica internacional. Pero lo mejor de todo es que este The Eternal les puede y les debe devolver al primer plano que tuvieron en la época mágica del Sister, Daydream Nation, Goo y Dirty. Tiene todos los puntos favorables que hicieron de los neoyorquinos la punta de lanza y principal influencia de todo el indie rock y el noise rock que se hizo en los 80 y 90.
De hecho cuenta con posibles singles breves e instantáneos como "Sacred trickster", “Thunderclap for Bobby Pyn” o “Calming the snake”, esta última con la crujiente voz de Kim Gordon, y con temas más experimentales y extensos que superan los 6 minutos como "Anti-orgasm" con esas tormentas de guitarras que arrecian y amainan y te zarandean sin piedad, "Antenna", una joya melódica con guitarras lacerantes o los 10 tensos minutos de la final "Massage the history". “Malibu Gas Station” es otra delicia calmada cantada por Kim que pudiera haber estado en el “Daydream Nation” y “Walkin blue” puede pasar prácticamente por una balada con las guitarras más domadas.
Todo ello dedicado con cariño y devoción al recientemente fallecido Ron Asheton de los Stooges de Iggy Pop y con una presentación exquisita en doble digipack con preciosos y coloristas dibujos y guapas fotografías en blanco y negro. Dentro lleva otras dos ilustradas fundas con los créditos y hasta con una pegatina con la portada del disco. Todo pues, a la altura de su prestigio y de la calidad del nuevo trabajo de los neoyorquinos que transformaron el rock de los 80 junto a R.E.M. y Hüsker Dü.
Nota del Blog: Ya lo saben, a conseguir ya...¡pero yaaaaa! Y este es el tracklisting del disco: 1. Sacred Trickster 2. Anti-Orgasm 3. Leaky Lifeboat(for Gregory Corso) 4. Antenna 5. What We Know 6. Calming The Snake 7. Poison Arrow 8. Malibu Gas Station 9. Thunderclap For Bobby Pyn 10. No Way 11. Walkin Blue 12. Massage The History.
Desde sus orígenes a mediados de los 80s con grupos como Atrofia Cerebral, Audición Irritable, Distorsión Desequilibrada pasando por la experimentación de Crisálida Sónica y los grupos de música industrial de mediados de los 90s hasta la actualidad con artistas como Jardín, Christian Galarreta, Paruro, Liquidarlo Celuloide, Cuadrado Negro y la variedad de artistas peruanos de Noise que vienen haciéndose de un lugar en el circuito internacional como María Chávez o Animal Machine. 
