Atención indies que ya estaban hartos de conciertitos como los de Avril Lavigne: Automatic Entertainment presenta a Warren Defever, una de las figuras míticas de His Name Is Alive. Parte del legendario sello británico 4AD por 13 años, los sonidos etéreos y acústicos de His Name Is Alive son sólo comparables con grandes bandas de dicho sello, como Cocteau Twins, This Mortal Coil y Dead Can Dance. HNIA mezcla influencias de grupos como Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Lush, Stereolab con música folk americana y estilos experimentales.
Como productor Warren Defever ha trabajado con artistas de la 4AD como Licorice, Tarnation, Ian Masters de Pale Saints, así como con Iggy and the Stooges, Yoko Ono, Thurston Moore de Sonic Youth y más.
Discos de HNIA han sido descritos por Pitchfork como "alguien cantándote suavemente al oído”, mientras tanto David Bowie ubica el álbum del 2006 de HNIA dentro de sus 10 mejores recomendaciones de ese año.
La experiencia de un concierto de HNIA incluye canciones llenas de ruidos repentinos y una sorprendente diversidad de sonidos y texturas, tocando temas de discos de la época 4AD como “Livonia”. Las presentaciones más recientes, revelan saltos estilísticos, frenéticos y orgánicos, así como una batería de sonidos electrónicos. His Name Is Alive sigue creando un impresionante sonido en vivo lleno de vanguardia.
¿Dónde es la cita? En la discoteca Nébula: González Prada 194 (alt cdra 50 y 51 Av. Arequipa), Miraflores. Como invitados de la noche estarán las bandas nacionales Pauchi Sasaki y Resplandor. Entradas a la venta en Teleticket: S/. 50 + comisión de Teleticket.
“From the valley with love, hate, and other feelings”
Después de muchas lunas volvemos a escribir de una banda musical, y que mejor que comenzar de nuevo con ellos: En el ya lejano 2006 oímos por primera vez a los She Wants Revenge, el proyecto californiano con influencias pop-rock, post-punk, techno-pop y góticas conformado por Justin Warfield y Adam Bravin, quienes se dieron a conocer con el gran público vía su tremendo single de título Tear You Apart (uno de los mejores temas de ese año), que no podemos negar que cuando los escuchamos por primera vez pensamos al toque en Interpol, aunque luego de temas clásicos como la electrónica These Things o la darkie Sister, se ganaron un lugar en el universo indie.
Lanzado en mayo, Valleyheart es su tercer y nuevo álbum y Must Be The One es la canción elegida como su primer sencillo para un disco que se hizo esperar mucho (hablamos de cuatro años desde su segundo trabajo). Después de publicar su debut homónimo en el 2006 que tuvo una gran acogida, al año siguiente lanzaron la secuela del mismo con el título de This Is Forever, y decimos secuela por la relación de letras y música, además de las impactantes portadas que presentaron en blanco y negro. Ambos álbumes respetaban los estándares del post-punk y el oscurismo que tan de moda pusieron los revival de Interpol en la mitad de esta década.
Este nuevo disco significa un cambio de rumbo en su corta, pero fructífera carrera musical. Valleyheart es un disco más pop, no es tan oscuro que sus anteriores trabajos discográficos. ¿Razones? Puede ser que los cuatro años de pausa les hayan cambiado muchas cosas, ya sean sus tendencias musicales, sus experiencias de vida o simplemente quieren ponerse a tonear. Tan simple como eso.
Tuvimos que esperar casi 4 años para poder escuchar esta producción conformada por 10 temas y demostrarnos que a pesar del tiempo trasncurrido, y suponemos los problemas personales o de inspiración de Warfield y Bravin, ellos siguen esforzándose para seguir siendo reconocidos en el circuito independiente. La grave voz de su cantante Justin Warfield sigue siendo estremecedora y con ello los seguidores seguimos tras sus huellas.
Tras escuchar el disco, notamos que se mantiene un poco de esa oscuridad característica de sus dos entregas anteriores, pero con un sonido más fresco y variado hacia el sonido bailable, con ritmos y géneros que se mueven desde el alternativo y el new wave, hasta un “buen” pop. La banda suena renovada y menos forzada hacia la “oscuridad” que en This Is Forever del 2007, lo cual es un gran paso en cuanto a su paso a la madurez música y dejar de seguir siendo comparados con bandas como Joy Division o Interpol. Este es el momento preciso de ganar su propio espacio.
Sus dos primeros sencillos, Take The World y Must Be The One, demuestran es un disco que merece más atención por el gran público y ser disfrutado una vez tras otra, ya sea escuchándolo o haciendo el tono en la jato. A muchos puede ser que este giro que ha dado la música de la banda les caiga de un poco mal, sobre todo a los puristas, pero creemos que es una opción de saber hacia dónde van las bandas denominadas “post-punk” u “oscuras”. No son los únicos…
Atención seguidores del shoegazing y el noise:Resplandor repetirá el plato por segundo año consecutivo en el 25 aniversario del South by SouthWest 2011 (SXSW), uno de los festivales independientes más importantes de Estados Unidos que realizará en la ciudad de Austin Texas, entre el 15 y el 20 de marzo.
Cabe destacar que la presentación de los peruanos es para un público netamente americano y tendrá la oportunidad de pisar el mismo escenario junto a destacadas o legendarias bandas internacionales como The Black Lips, Duran Duran, The Bravery, The Strokes, Hanson, Asobi Seksu entre otras.
El festival SXSW 2011 es un evento masivo donde se combina música, cine experimental y tecnología emergentes. Se organizan showcases oficiales y paralelos donde se presentan artistas de todo el mundo frente a variadas audiencias en la que también asisten representantes de la industria de la música entre ejecutivos, empresarios, productores, representantes, artistas aspirantes y en desarrollo, fabricantes de tecnología y más de un millar de periodistas.
La participación de Resplandor y su último disco Pleamar en este festival está programado para el jueves 17 de marzo, y en la página web del evento se detalla la duración del show y el lugar exacto donde se realizará. Hace un par de años, Resplandor recorrió clubes y festivales de Estados Unidos y Canadá presentando su tercer disco en su gira denominada "Pleamar, North America 2009".
Conformado por Antonio Zelada (voz, guitarra y secuencias), Luis Rodríguez (guitarra), Henry Gates (bajo), Aracelli Fernandez (voz) y Christopher Farfán (batería), Resplandor nace en el verano de 1996 ensayando un nuevo y arriesgado estilo musical que ya se dejaba escuchar en Europa: el Shoegaze y el Noise Pop. En el 2000 editan su primer disco titulado Elipse. En el año 2002 fichan para sello alemán Alison Records y lanzan su segundo disco Ambar, un año después la banda sale de gira en la costa este de los Estados Unidos como parte de "Allison Records Tour".
En el año 2005 el sello Lunar Disco edita un tributo a Echo and the Bunnymen titulado Play the Game. El estilo noise pop (Avant/experimental) de la banda afinado en su tercer disco ha logrado ser aceptado por un público de habla inglesa y definitivamente deja abierta la puerta a otros cantantes y grupos peruanos en búsqueda de nuevos auditorios.
Cabe destacar que Pleamar fue producido y mezclado totalmente en Gran Bretaña con la ayuda de Robin Guthrie, el mítico guitarrista de Cocteau Twins y contó también con la participación de los integrantes de las bandas neoyorkinas Mahogany, Lovesliescrushing y Astrobrite. Entre sus temas más populares tenemos a Downfall, Solar y Pleamar. Y aquí les dejo el video oficial de Downfall.
Bueno, bueno...recién acabo de reponerme de la sorpresa, no sabía que habían planeado traerlos, por lo que puede convertirse en uno de los conciertos del 2010. Me refiero a James, una de las grandes bandas de Manchester, también conocida como "Madchester", aquella corriente surgida en el Reino Unido durante los 80 y que se nutrió de fuerzas tan heterogéneas como fundamentales dentro del rock como la psicodelia y el mod de los años 60, el rock de garaje, el punk y el pospunk, el pop, entre otras. Pero en vez de copiar el artículo de El Comercio, mejor se los dejo y entérense:
Lo de James se situó entre las grandes promesas de esa vertiente musical también cultivada por actos como The Charlatans, los Happy Mondays, The Inspiral Carpets y los enormes Stone Roses. Y James llega a Lima por primera vez para hacer realidad el sueño de cientos de ‘fans’. Todavía con Tim Booth en la parte vocal y a más de tres años desde la reunión de la banda, esta cita promete ser memorable.
Aunque suenen algo lejanos los brochazos iniciales de la banda, aquellos que le permitieron no solo empezar a grabar, sino compartir una gira con The Smiths en 1983, la música de James respira actualidad cada vez que uno coloca alguno de sus discos en la bandeja del estéreo. Ello habla bien de una propuesta que ha resistido, como es debido, la prueba del tiempo.
¿Cómo no morir entre los cambios de almanaque? La consistencia es fundamental. Y James ha elaborado un buen puñado de discos sólidos, sin aberturas, que respaldan su historia, y principalmente nos referimos a “Seven” (1992), “Laid” (1993), “Whiplash” (1997) e incluso “Millionaires” (1999).
LA BELLEZA DE LO SIMPLE
La música de James es una experiencia liberadora. Sin temibles aspavientos ni vocación de complicarse la existencia, la banda tiende líneas precisas que se ven reflejadas en armonías y arreglos prístinos y melodías de filigrana evitando, de paso, caer en excesiva complacencia. Es decir, canciones que acarician sin mimar.
Al frente, lo dijimos, permanece Tim Booth, un tipo de voz profunda (que por instantes puede tentar similitudes con la de Bono) y de reconocible falsetto. Un hombre que no se conformó únicamente con los micrófonos, sino que ha explorado otros rincones del arte, como el ballet.
Detrás de él, músicos entrenados para confeccionar los fondos propicios de cada interpretación, entre ellos: Jim Glennie (bajo), Larry Gott (guitarra, teclados, flauta; sucesor del guitarrista original: Paul Gilbertson), David Baynton-Power (batería) y Andy Diagram (trompeta).
Una noche con James no podría ser completa sin canciones como “Say Something”, “Laid”, “Born of Frustration”, “She’s a Star”, “Waltzing Along” o “Sit Down”. Esa noche, la del miércoles 30 de marzo en la explanada del Monumental, tendrá además cara de festival, toda vez que en breve otra banda confirmaría su participación.
Los boletos para el show se venderán desde mañana martes en Tu Entrada, a los siguientes precios: S/.360 (Kandavu), S/.190 (VIP) y S/.90 (general). Habrá 20% de descuento hasta el 28 de febrero con tarjetas IBK, y 10% del 1 al 30 de marzo con las mismas tarjetas. ¡Ya contamos los días!
La todavía fría noche limeña fue calentada ayer por el último de los megaeventos musicales de esta temporada, todos los cuales han marcado para siempre el corazón de los (ahora sí) afortunados melómanos peruanos. Y sin ánimo de cometer el sacrilegio de menospreciar a alguna de las leyendas musicales que nos han visitado este glorioso 2009, el recital de The Killers tenía un atractivo especial: era la primera vez que a Lima llegaba la banda anglosajona más popular… cuando es todavía la más popular. Sí, The Killers aterrizó en Lima siendo EL grupo del momento, uno de esos cada vez más raros fenómenos que siguen vendiendo discos por millones, y Brandon Flowers paseó sus botas por Larcomar en calidad del último gran frontman que ha parido el parnaso del Pop Rock.
Pero vayamos por partes. Las informaciones oficiales hablan de 35 mil almas en la Explanada del Estadio Monumental, y dados los ya muy conocidos problemas de acceso que adolece el cuartel de Universitario, ayer esa cantidad de público convirtió en una verdadera pesadilla la llegada y la salida, no importa el medio de transporte utilizado, incluyendo los pies. Y a esto le debemos sumar el hecho de que un estacionamiento nunca será ni por asomo tan adecuado para el máximo ritual del rock como lo es un buen estadio, pero mientras el Nacional esté en remodelación para los Panamericanos (jajajaja) y el de San Marcos no haya pasado aún su prueba de fuego con Metallica, pues nos tendremos que conformar. No todo podía ser perfecto en esta vida. Sin embargo, para los fanáticos de The Killers la velada de anoche rozó en más de un momento la perfección absoluta.
Lo más probable es que los cuatro de Las Vegas todavía no hayan escalado su pico creativo más alto, y nos estén debiendo aún su obra maestra, pero, ¡¡qué demonios!!, vaya que sí que tienen una buena cantidad de canciones poderosas e irresistibles. Y anoche no faltó casi ninguna. Con puntualidad inglesa que nos hizo recordar que en un comienzo los asesinos nos parecían más una branda británica que norteamericana, Flowers y compañía ejecutaron sus primeros acordes a las 10 en punto de la noche.
Luego de abrir con su último gran éxito, la pegajosa “Human”, y de un inusualmente bien pronunciado “Buenas noches, Lima, somos The Killers, y esta noche somos de ustedes”, los comandados por Brandon nos deleitaron no solo con algunos de sus nuevos temas y todos y cada uno de sus hits (“Somebody Told Me”, “Bones”, “Read My Mind”, “Smile Like You Mean It”, “All These Things That I’ve Done” y, en la apoteosis del final, “When You Were Young”) recorriendo sus tres álbumes oficiales, sino que también se dieron tiempo para obsequiarnos algunos cortes de su álbum de lados B y rarezas, Sawdust: la balada “Tranquilize” (sin Lou Reed, obvio, lástima) y el buen cover de Joy Division, “Shadowplay”. Y por si fuera poco, Brandon ensayó una breve pero emocionante versión casi capella de “Can’t Help Falling in Love”. Todo esto en tan solo hora y media de concierto, compacta y contundente, como los temas de la agrupación. Cabe añadir que lo único que personalmente extrañamos en el set list fue ese entrañable tema de su primer álbum llamado "Indie Rock'n Roll".
No faltaron las pantallas gigantescas (muy útiles para los que no pudieron desembolsar más de 100 soles), la pirotecnia espectacular y algunos otros alucinantes complementos al show musical, pero no estábamos ante Depeche Mode ni ante Pet Shop Boys, músicos geniales también en el aspecto visual de sus puestas en escenas, así que nada podía ser tan o más atractivo que simplemente disfrutar de la música, y de toda la energía y carisma a los que el buen Brandon ya nos tiene acostumbrados. Y es que sin duda el cantante confirmó su gran dominio escénico y se metió al bolsillo a todos desde el comienzo, en especial a las féminas, por obvias razones. Definitivamente ese final de concierto, con Brandon agitando la bandera peruana por incontables minutos ya es una postal imborrable en nuestra memoria. Del resto del grupo podemos decir que son músicos de oficio, cada uno en lo suyo, eficientes pero sin grandes pomposidades instrumentales, salvo el cada vez más calvo baterista Ronnie Vannucci Jr., quien sí se transformó en un incontenible animal tras sus platillos en más de un pasaje del concierto.
Algunas observaciones adicionales: nos impresionó gratamente la gran cantidad de púberes y niños que acudieron al recital. Por obvias cuestiones generacionales esperábamos muchos adolescentes más que en recientes conciertos, pero, al menos en Lima, The Killers tiene muchos fans de esos que más nos imaginamos delirando por los Jonas Brothers. Bien por eso. Por otro lado, un jalón de orejas para los organizadores en cuanto a la venta de bebidas. En algunas zonas muchos se pasaron literalmente más de la mitad del concierto haciendo cola por una cerveza, por la poca cantidad de quioscos y la lentitud de los vendedores. A revisar ese aspecto para la próxima.
Pero ya ningún inconveniente importa, ni siquiera los acostumbrados problemillas de sonido. La de ayer fue una noche increíble, en la que todos salimos inmensamente felices de ser víctimas de estos asesinos en serie...
Y seguimos con las bandas que se encuentran al tope de mi actualidad musical, sonidos que sobresalen de la repetitiva escena actual, cada vez con menos gente que se arriesga por la búsqueda de un sonido propio. Esta vez les voy a hablar de The Raveonettes, un dúo pop rock de Noise Pop, indie rock (yo le diría pop-rock de corte melancólico) originarios de Copenaghe, Dinamarca, formado por Sune Rose Wagner en la guitarra y voz y Sharin Foo en el bajo y la voz.
Su nombre es una referencia directa al sonido sesentero de The Ronettes y la canción de Buddy Holly, Rave On!, y esto viene porque su música está caracterizada por las armonías vocales inspiradas en The Everly Brothers, uno de los grandes duos musicales de todos los tiempos, y de grupos femeninos clásicos norteamericanos como las ya mencionadas Ronettes o The Shangri-Las, siendo su sonido "una invitación a la nostalgia" unido a fuertes guitarras eléctricas y alta dosis de ruido, osea, shoegaze (sonido saturado). Sus canciones mezclan la estructura simple y de acordes del rock de los 60 con una instrumentación eléctrica, por lo general de letras oscuras bastante similares a las de The Velvet Underground, una de las influencias de la banda.
Con 5 discos editados hasta el momento, se dieron a conocer en el 2002 con Whip It On, un disco grabado en un estudio de Dinamarca en donde todas las canciones duran menos de 3 minutos y que fue nombrado el "Mejor Album de Rock del Año" en los Danish Music Awards (los equivalentes daneses del Grammy) y fueron elegidos por la Rolling Stone y Q Magazine (casi nada) como parte de la "Next Wave" de la música contemporánea. Cabe resaltar que en este disco se unieron a la banda el guitarrista Manoj Ramdas y el batería de jazz Jakob Hoyer.
Al año siguiente, el 2003, lanzaron el The Chain Gang of Love (en el que 2 de sus 13 canciones duran menos de 3 minutos, muy similar a su primer disco) que fue producido por Richard Gottehrer, productor de álbumes de míticas bandas punkies o new wave como Blondie, The Go-Go's, Richard Hell & the Voidoids entre otras, y autor de clásicos como "My Boyfriend's Back" y "I Want Candy". El álbum fue grabado en Dinamarca y Nueva York y mezclado en Londres a inicios del 2003, e inmediatamente comparado con el disco debut de The Jesus and Mary Chain, Psychocandy...bueno, estas dos bandas están influenciadas por la Velvet, así que no me sorprendió esta relación.
Dos años despues pudimos escuchar el Pretty in Black, un disco que contó con la voz invitada de una de las míticas Ronettes, Ronnie Spector, además de contar con el aporte instrumental de Maureen Tucker de The Velvet Underground (un lujo) y de Martin Rev, siendo el primer álbum en el que Sharin Foo no tocó el bajo, pasando a hacerlo Anders Christensen el que lo tocó en la grabación y que ahora se presenta junto a la banda en sus giras. Y hablando de integrantes, a finales de la gira del 2005, el guitarrista Manoj Ramdas dejó la banda para concentrarse en su nueva banda SPEKTR.
Quisieron combinar la faceta oscura de sus dos primeros discos con su trabajo más pop (el Pretty in Black) en el notable Lust, Lust, Lust del 2007, un disco de shoegaze, con sonido saturado y con temas que resultaron ser hits como Dead Sound, Aly, Walk With Me, Lust, You Want The Candy y Sad Transmission del que Sune Rose Wagner dijo que sería "más enérgico y potente que el anterior, perfecto para meterse una buena dosis de drogas en un antro de mala muerte de Berlín", resultando un disco sombrío, trevido y con actitud. Una banda en proceso de maduración.
Hasta que llegamos a octubre del 2009 y la publicación del quinto álbum de la banda, In & Out of Control, uno de los más esperados del dúo danés. Sus temas son bastante frios, crudos y gelidos como Gone Forever, temas que no suenan a ningun ritmo electrónico tan en boga, solamente son temas pop con una marcada onda retro en la que destaca por encima de todas la preciosa melodía de Last Dance, una canción con una atmósfera de melancolía y pesar por lo que no hicimos en el pasado (muchas diría yo...no se pierdan el video). con letras cargadas de oscuridad, tal como la estruendosa Break up Girls! o de Suicide, que fue el primer tema difundido previo a su lanzamiento. En suma, uno de los grandes discos indies de este año que ya se va...con mucha nostalgia.
Definitivamente hablamos de un sonido diferente para tiempos en los que pocos solistas o bandas vuelven nostálgicamente la mirada y se inspiran en grupos femeninos de los sesenta, The Raveonettes lo hacen sin ningún rubor aportando su frio estilo que no sigue los patrones de la moda, porque de eso se trata: de canciones de una frialdad desgarradora, estruendosamente agresivas y que sirve como vehículo de descarga de la furia reprimida que todos llevamos dentro. Si te gustan The Jesus and Mary Chain o The Cramps, si te gusta la psicodelia oscura y el dream pop, tienes que tenerlos en cuenta...
Esta semana decidí comenzarla musicalmente, y lo primero que tengo para ustedes es el videoclip oficial de Sink Or Swim, el nuevo single de Bad Lieutenant, la nueva banda del ex-New Order Bernard Sumner (guitarra y voz) acompañado de Phil Cunningham (guitarra) y Jake Evans (guitarra y segunda voz), que está incuído en su álbum debut Never Cry Another Tear, que fue lanzado el pasado 5 de octubre por Triple Echo Records. Disfrútenlo...
A fin de año escucharemos el debut del otro proyecto surgido de las cenizas de New Order, Freebass, el nuevo proyecto del bajista Peter Hook (co-fundador de Joy Division y de New Order y que estuvo hace pocos días en Lima), Andy Rourke (ex-bajista de The Smiths), Gary Mounfield (The Stone Roses y ahora Primal Scream) y Gary Briggs (Haven). Veamos que pasa...
Formados en el año 2000, han tenido que esperar 9 largos años para lograr el reconocimiento general, y todo gracias a una canción: Zero, tema que forma parte de su último disco It's Blitz!. ¿De quiénes estamos hablando? Pues del trío neoyorquino los Yeah Yeah Yeahs, una banda de indie rock y garage punk (yo diría una mezcla de lo más agresivo de la Velvet Underground con lo más melódico de Siouxsie and the Banshees) liderados por su ¿excéntrica, rara o única? cantante Karen O, siendo los otros miembros de esta trinidad musical Nick Zinner en la guitarra y sintetizadores y Brian Chase en la batería.
Esta banda tiene un sonido muy particular, por ahí leí que le dicen avant-punk (por su fusión con lo eléctrico), de ahí su diferenciación con las demás bandas de la Gran Manzana, su música es una mezcla de estilos retro con guitarras punk/rock fuertes, sonidos sintéticos y chillones, erráticos y voces bastante melancólicas a cargo de Karen O (Karen Orzolek), quien maneja en gran forma su estética y sabe pararse en el escenario como toda una diva punkie.
Su larguirucha vocalista merece un parráfo aparte. Considerada como una descendiente de Siouxsie Sioux, esta front-woman anda vestida muy brillantemente con unos increíbles trajes hechos por su diseñadora exclusiva Christian Joy marcando la tendencia en la moda rock (vean sus fotos en este site), pero no todo se queda en la estética…si pensabas que es una diva glamorosa tienes que verla en acción cuando chelea y la escupe por su boca como si fuera una pileta humana, cosas que la hacen única en su genero.
Su álbum debut se tituló Yeah Yeah Yeahs a secas y fue lanzado con 4 temas en el 2001, pero no fue hasta el 2003 en el que los Yeahs lanzaron su primer álbum llamado Fever to Tell, que recibió muy buenas críticas pero también fue censurado por considerar que tenía temas con letras sexuales explícitas, como Black Tongue, Tick o Modern Romance, destacando como uno de los mejores álbumes en el circuito Indie del 2003. Destaca entre todas Maps, que fue programada con frecuencia en las radios alternativas y se ubicó en los lugares de vanguardia en los rankings. Cabe destacar que ell video de Y Control, fue dirigido por Spike Jonze (del que veremos pronto Donde Viven los Monstruos), que estuvo relacionado con Karen O durante un tiempo.
Su segundo álbum, Show Your Bones, fué lanzó por su sello Interscope Records, el 28 de marzo del 2006. Según información que pude encontrar, el nombre del álbum está aparentemente inspirado por el antigenio de 9 años Drake Barrett, describiendo qué sucede cuando metes tus dedos en un enchufe eléctrico. El primer sencillo de este álbum bastante sucio pero brillante a la vez, fue Gold Lion, pero también tiene grandes temas como Fancy, Dudley, Mysteries o la dulce e impredecible Honeybear, en los que se siente ya un proceso de evolución en la banda.
Su nuevo proyecto vino este año de la mano del sello Interscope Records, con el título de It’s Blitz!, que salió a la venta el 13 de Abril en el Reino Unido y el 14 de Abril en los Estados Unidos. Su primer single fue el ya mencionado Zero, en el que Zinner (el guitarrista) utiliza los sintetizadores como nunca lo había hecho antes para dejar una pegajosa pero a la vez nostálgica canción. Para este disco, aprendió a experimentar con nuevos instrumentos, pedales, efectos y técnicas musicales. Lo curioso de este disco está en que después del avasallador sonido de Zero, aunque se mantiene en Heads Will Roll o Soft Shock, las demás canciones tienden a la calma, como las excelentes Runaway, Skeletons o Little Shadow, pero Zero es prácticamente el disco, y te lo dejo en su versión original del larga duración y en una presentación de Jools Holland (saca tus conclusiones):
Tras toda esta información, creo que ustedes mismos tienen que verlos y oÍrlos en acción…Para que tengan una idea bastante clara del sonido, imagen y postura de la banda, les recomiendo que vean su primer DVD dirigido por Lance Bangs, Tell Me What Rockers to Swallow', un concierto grabado en The Fillmore en San Francisco en el 2004 (aunque parezca un poco antiguo y no vaya de acuerdo con su reciente postura estética y musical), y que además todos los videos de la banda de ese momento y numerosas entrevistas. Como lo leí en uno de los artículos sobre la banda: Los Yeah Yeah Yeahs no están de moda. Son la moda.
El tema de conversación de la semana pasada en cuanto a la escena musical fue la presentación en directo vía YouTube del concierto de U2 en el Rose Bowl de Pasadena (Los Ángeles) el día de ayer domingo 25 de octubre, el penúltimo concierto del 2009 de su gira 360°, porque el último será en Vancouver, Canadá, y el primero de estas características que se emite por streaming para los 5 continentes desde el famoso portal de videos, y aunque todavía no hay datos oficiales de la audiencia total, de hecho que estamos hablando de millones de personas, y es que fanáticos de la banda originaria de Dublin tenemos a nivel del orbe (y ya son fácil 3 generaciones)...
Cabe destacar, además de la calidad ya reconocida en las presentaciones en vivo de la banda con la figura del mítico Bono a la cabeza, fueron la presentación previa de los Black Eyed Peas, pero sobre todo y en cuanto a la transmisión del evento, del streaming (cuestiones técnicas) que fue de una magnífica calidad: 1,000 kbps para un player de 640 x 360 pixels, con un sonido estéreo de similares características, no habiendo ni un solo corte ni pixeleadas o congeladas (me remonta a los tiempos en la RCP cuando practicábamos con este futuro medio de transmisión). Lo curioso fue ver todos los comentarios de la gente a través de Twitter y Facebook, ya que es muy raro seguir un mismo evento a la vez en todo el mundo. En Twitter se siguió vía #u2webcast, Watching u2, u2 live y Bono, estando a la vez en el Trending Topics con una gran cantidad de twitts enviados. Y si no viste el concierto, aquí lo tienes para que lo veas con tranquilidad:
El concierto duró casi dos horas y media en las que la banda irlandesa interpretó los 24 temas ya habituales en esta gira del 2009, en un concierto que pasará a la historia y que marcará un hito en el mundo de la música, no solo por este avance tecnológico, la primera vez que un show de esta magnitud es transmitido en vivo por el portal, sino porque U2 sigue a la vanguardia de los supergrupos a pesar de su larga pero exitosísima carrera musical, y aún tienen para rato...
Y este es el Set List U2 en el Rose Bowl, del 25 de octubre del 2009: 1. Breathe 2. Get On Your Boots 3. Magnificent 4. Mysterious Ways 5. Beautiful Day 6. I Still Haven’t Found What I’m Looking For / Stand By Me (snippet) 7. Stuck In A Moment 8. No Line On The Horizon 9. Elevation 10. In A Little While 11. Unknown Caller 12. Until The End Of The World 13. The Unforgettable Fire 14. City Of Blinding Lights 15. Vertigo / It’s only Rock & Roll (snippet) 16. Crazy Tonight / Two Tribes (snippet) 17. Sunday Bloody Sunday 18. MLK 19. Walk On / You’ll Never Walk Alone (snippet) 20. One / Amazing Grace (snippet) 21. Where The Streets Have No Name Encore(s): 22. Ultra Violet (Light My Way) 23. With Or Without You 24. Moment of Surrender
Gracias a los amigos de Paisajes Eléctricos de España, bueno, al artículo de Txema Mañeru, me acabo de enterar que los míticos Sonic Youth tienen nuevo disco desde hoy 9 de junio, The Eternal, el número 16 en una edición de vinilo, disco compacto y digital. Como no he tenido la oportunidad de oir el mismo (les quiero dejar este artículo mientras lo trato de conseguir), les dejo la crítica y presentación que hizo Txema al respecto en la última edición de su web, ahí les va:
La década actual no ha sido especialmente fructífera en el plano comercial para los incansables Sonic Youth. De hecho tras un amplio periplo multinacional sin ventas millonarias pero con plena libertad artística, regresan a la independencia total que les vio nacer. Y lo hacen de la mano del prestigioso sello Matador Records (Yo La Tengo, Cat Power, Condo Fucks y mil más).
No se puede decir lo mismo de su calidad artística y su prestigio entre la crítica internacional. Pero lo mejor de todo es que este The Eternal les puede y les debe devolver al primer plano que tuvieron en la época mágica del Sister, Daydream Nation, Goo y Dirty. Tiene todos los puntos favorables que hicieron de los neoyorquinos la punta de lanza y principal influencia de todo el indie rock y el noise rock que se hizo en los 80 y 90.
De hecho cuenta con posibles singles breves e instantáneos como "Sacred trickster", “Thunderclap for Bobby Pyn” o “Calming the snake”, esta última con la crujiente voz de Kim Gordon, y con temas más experimentales y extensos que superan los 6 minutos como "Anti-orgasm" con esas tormentas de guitarras que arrecian y amainan y te zarandean sin piedad, "Antenna", una joya melódica con guitarras lacerantes o los 10 tensos minutos de la final "Massage the history". “Malibu Gas Station” es otra delicia calmada cantada por Kim que pudiera haber estado en el “Daydream Nation” y “Walkin blue” puede pasar prácticamente por una balada con las guitarras más domadas.
Todo ello dedicado con cariño y devoción al recientemente fallecido Ron Asheton de los Stooges de Iggy Pop y con una presentación exquisita en doble digipack con preciosos y coloristas dibujos y guapas fotografías en blanco y negro. Dentro lleva otras dos ilustradas fundas con los créditos y hasta con una pegatina con la portada del disco. Todo pues, a la altura de su prestigio y de la calidad del nuevo trabajo de los neoyorquinos que transformaron el rock de los 80 junto a R.E.M. y Hüsker Dü.
Nota del Blog: Ya lo saben, a conseguir ya...¡pero yaaaaa! Y este es el tracklisting del disco: 1. Sacred Trickster 2. Anti-Orgasm 3. Leaky Lifeboat(for Gregory Corso) 4. Antenna 5. What We Know 6. Calming The Snake 7. Poison Arrow 8. Malibu Gas Station 9. Thunderclap For Bobby Pyn 10. No Way 11. Walkin Blue 12. Massage The History.
Recuerdo que escribí un artículo con respecto a Wilderness, el segundo disco solista de una de las voces más representativas del brit pop de los 90, Brett Anderson, uno de los cantantes que me hizo recordar en gran forma a David Bowie y el Glam-Rock (bueno, es prácticamente uno de sus hijos) desde la primera vez que lo oi con su banda Suede, y me enteré hace poco que Requiem Producciones ha confirmado su llegada, esta vez en su faceta como solista, y nos brindará una prometedora presentación de más de dos horas en la que interpretará lo mejor de su discografía con Suede y de su nuevo proyecto personal como solista.
Como siempre les digo, para los que leyeron y dijeron ¿Bret qué?, les contaré que en los noventas, en Inglaterra, la música independiente inició un voraz ataque con el nombre de Britpop, convirtiéndose en la nueva música popular que se escuchaba en todos los lugares posibles, dejando de lado el concepto de caleta o de circuito alternativo, muy empleado hasta entonces. Bandas como Blur, Elastica y Suede (añadido por pedido de Gonzalo J.: Oasis y Pulp) fueron las cabezas de la denominada segunda invasión británica, que dominó por un buen tiempo el mundo de la música pop, luchando mano a mano la supremacía con el grunge norteamericano.
La formación con la que se dieron a conocer en 1989 y lograron el éxito fue: Brett Anderson (Voz), Bernard Butler (Guitarra), Matt Osman (Bajo) y Simon Gilbert (Batería), pero tras 8 discos y numerosos singles, en el 2003 Suede desapareció, sin embargo, cabe resaltar que Anderson y el ex guitarrista Bernard Butler, formaron la banda The Tears, lanzando un único disco, Here come the tears, el cual obtuvo críticas y reacciones populares mixtas. Fue producido por Butler y grabado mayoritariamente en un estudio casero con temas como Refugees y Lovers. Anderson siguió con su carrera como solista, la cual se concretó cuando lanzó su primer disco en solitario en el 2007 que llevó como titulo su propio nombre, confirmándolo en el 2008 con su segundo disco Wilderness, del que recibí un comentario en este blog en el que se consideraba una "pequeña obra de arte".
Aunque Suede ya no existe, este concierto es de categoría imperdible, porque no se puede desvincular esta andrógina banda del mismo Brett Anderson, hasta se podría decir que son lo mismo, con canciones inmortales como The Drowners, Animal Nitrate, New Generation, Trash, Beautiful Ones, Lazy o Saturday Nights, así como sus nuevos temas en solitario como . Todo esto lo podremos disfrutar este jueves 11 de junio en Vocé (esquina de Petit Thouars con Risso en Lince) en el que Anderson ofrecerá un concierto que según he leído, el set consistirá un 60% de canciones de Suede y el resto de canciones nuevas, no siendo acústico ni DJ set, el show sera totalmente con la banda que lo acompaña, entre los cuales se nombra a parte original de Suede y a músicos de Dirty Pretty Things, banda de Carl Barat ex-The Libertines. A no perderse este conciertazooooo...Y como un adelanto, aquí les dejo con Trash, un temazo de Suede del álbum Coming Up de 1996:
Navegando por algunos blogs musicales amigos me encontré con esta noticia que puede ser uno de los acontecimientos del pop indie británico de lo que va del año: Peter Doherty inicia su carrera como solista con su nuevo disco titulado Grace/Wastelands, que fue producido por Stephen Street, famoso por haber trabajado con dioses del pop británico como The Smiths, Blur, Sleeper o Kaiser Chiefs, además, para este disco contó con la colaboración de Graham Coxon, Carl Barat y Dot Allison.
Este será el primer trabajo en el que da a conocer su propuesta musical apartado de Babyshambles, el grupo con el que se dió a conocer a nivel masivo, porque en el circuito indie se hizo leyenda con su banda The Libertines, además de los escándalos por el consumo de drogas. En esta nueva producción se encuentra la canción Last of the English Roses la cual ya se puede descargar desde Internet y se convierte en el primer sencillo del disco, canción que ya está sonando en las diferentes radios alrededor del mundo y canales de televisión musicales. Esta nueva producción discográfica está disponible desde el pasado 17 de marzo en la web y se tiene en las tiendas discográficas desde hoy 24.
Para despertar un poco de controversia, vean el video clip de Last of the English Roses, en el que todo transcurre de acuerdo a la propuesta que concemos de Doherty, esta vez ambientada en una cancha de fulbito en donde todos se portan como unos "varones peloteros", salvo hasta el final del mismo donde se encontrarán con una sorpresa: un beso gay...a verlo señores:
¿Qué tal? Como les comentaba, este polémico cantante británico se ha caracterizado por ser constante noticia tras los escándalos que ha protagonizado debido a sus problemas de adicción al alcohol y las drogas, problemas que han perjudicado su carrera artística y que ahora, como solista, se espera que haga noticias pero por su trabajo. Revisando el blog Cuchara Sónica, encontré con un video en el cual el mismo Pete habla un poco a Angryape, sobre el proceso de creación del nuevo disco y lo que lo llevo a hacer un disco en solitario.
Como detalle importante a cargo del mismo Doherty, subió el disco nuevo completo a su MySpace, para que todos lo podamos escuchar de manera gratuita antes de comprarlo, para ver que tan bueno o malo está, pero el streaming solo estuvo disponible por una sola semana, hasta que se lanzó el disco. Un buen detale de este poeta contemporáneo. A buscar el disco, pero ya...
Este es el track list completo de Grace/Wastelands: “Arcady” - 2:53 “Last Of The English Roses” - 3:51 “1939 Returning” - 3:10 “A Little Death Around The Eyes” - 3:32 (Doherty/Carl Barât) “Salomè” - 3:14 “I Am The Rain” - 3:14 (Doherty/John Robinson) “The Sweet By And By” - 3:05 (Doherty/Alan Wass) “Palace Of Bone” - 4:24 “Sheepskin Tearaway” - 2:43 (Doherty/Dot Allison) “Broken Love Song” - 3:44 (Doherty/Peter Wolfe) “New Love Grows On Trees” - 3:38 “Lady Don’t Fall Backwards” - 2:17
Y siguen llegando nombres interesantes del mundillo musical a Lima, esta vez Automatic Entertainment presenta por primera vez en Lima a Ken Stringfellow este 19 de marzo, como parte de su gira sudamericana en L’Anfiteatro (Alfonso Ugarte 242 - Barranco) junto a los nacionales de Catervas y Kaboogie. Supongo que más de uno habrá pensado ¿quién? Bueno señores, les puedo decir que este músico californiano es un músico multi-instrumentista y productor de punk rock y de rock alternativo conocido por haber formado parte de bandas como The Posies, R.E.M., Langwagon y Big Star...osea, el hombre tiene su mérito ¿no? Grandes bandas para un interesante personaje. Pero sepamos un poco más de él:
Ken Stringfellow fundó en 1986 el grupo de power pop The Posies junto a Jon Auer, convirtiéndose en una de las parejas compositoras más importantes de la música alternativa de finales del siglo XX. Con The Posies consiguió el reconocimiento de fans y crítica, sobre todo en la que es considerada como su mejor obra, Frosting On the Beater (1993 - Geffen Records), destacando además los discos Failure (1988), Dear 23 (1990), Amazing Disgrace (1996), Succes (1998) y Every Kind of Light (2005).
Aún siendo parte de The Posies fue convocado, junto con Auer, a reformar la legendaria banda Big Star en 1993. Como miembro estable de Big Star grabó el primer disco de la banda desde 1974, In Space (2005 - Rikodisc), y los discos Columbia - Live At Missouri University 4/25/93 (1993), Big Star Story (2003) y el In Space (2005). Colaboró con bandas como The Minus 5 en el Old Liquidator (1995) y Down With Wilco (2003) y con White Flag On The Way Down (1999), Eternally Undone (2001), History is Fiction (2003) y Piangi Con Me (2006).
En lo que se refiere a su carrera en solitario, ha editado tres álbumes hasta la fecha, This sounds like goodbye (1997), Touched (2001), Soft Commands (2004) y The Sell out cover session Vol. 1 (ep - 2008), compaginando este trabajo con el de músico de acompañamiento de los también norteamericanos R.E.M. en las producciones Reveal (2001) y Around The Sun (2003). También ha colaborado como productor de la banda de punk rock californiana Lagwagon, en su disco aclamado por la critica Double Platinum (1997 – Fat Wreck Chords) y actualmente colabora con la radio online de Barcelona scannerFM.
En la actualidad vuelve con una nueva banda bautizada como The Disciplines. Su primer disco, Smoking Kills, será editado el próximo mes de febrero en España por 2Fer Records, y vendrá seguido de una gira. Tarea para la casa, a escuchar un poco de este gran músico que estará con nosotros este 19 de marzo. Un dato extra...me emocioné un poco al leer la web de The Posies, porque mencionaban su gira con una tocada en el Voce junto Ladytron y Resplendor...será para la próxima...
Bueno, otro fin de semana enredado con la masa y complicado con las compras navideñas y demás asuntos que hay que atender con motivo de las próximas fiestas de fin de año, por lo que el tiempo para dedicarle a mi querido blog se hace un poco corto, pero como siempre quiero tenerlos al día con lo último del cine y la música, quiero dejarles este domingo con una de mis bandas cruciales: The Cure y su nuevo disco 4:13 Dream...tras haberlo oído por primera vez, quedé totalmente satisfecho por esta nueva entrega musical de Robert Smith y sus compinches de toda la vida (son un cuarteto ahora), en el que vuelve al sonido darkie que nos tenía acostumbrados en sus primeros discos, todo ello mezclado con los nuevos sonidos que ha ido experimentando disco a disco.
Como el tiempo es villano y me tengo que ir a cumplir con mis deberes de padre de familia, les dejo esta crítica que encontre en la web Hipersónica, que me parece bastante interesante y describe una a una cada canción del disco. Mil disculpas si no hay material de mi cosecha (bueno, he resumido un poco el texto), pero de vez en cuando hay que destacar el esfuerzo de otros compañeros cibernautas, esta vez de Víctor Rodriguez...ahí les va!!!!! Y como siempre digo, están servidos...
"Tras un disco complicado de título homónimo, difícil de digerir de una sóla vez debido a su duración, The Cure se presentan cuatro años después con una tarjeta impecable. Quienes habían pensado que Robert Smith no sería capaz de firmar composiciones tan refulgentes como las del pasado se equivocaban. Los singles previos que The Cure nos mostró este verano, a uno por mes, a saber: The Only One, Freakshow, Sleep When I’m Dead y The Perfect Boy, ya nos decían por dónde iban los tiros. The Cure ahora convertidos en cuarteto tras las fulminantes expulsiones del teclista Roger O’Donnell y del guitarrista Perry Bamonte, han hecho los deberes y están de vuelta con un cancionero a la altura de su mito. The Cure con Porl Thompson, cuñado de Robert Smith, como guitarra solista nuevamente incorporado como miembro fundamental del armazon sonoro del grupo, han comenzado esta nueva aventura al revés de como todas las bandas lo suelen hacer. Primero se fueron de gira mundial, el 4Tour que comenzaron en 2007 en Asia y Oceanía y terminaron hace unos meses en Estados Unidos, y allí fue donde empezamos a conocer canciones nuevas, casi todas con distinto nombre a las que ahora se publican, como la incandescente ‘It’s over’, que hasta el último concierto de la gira se llamaba ‘Baby rag dog book’. No parece que The Cure vuelvan a la carretera en 2009, al menos no hay noticias sobre ello; por tanto nos quedamos sin la gira de 4:13 Dream, que tocaron en su totalidad el pasado 11 de octubre en Roma, y sin ningún nuevo single del esperadísimo decimotercer álbum en la carrera de la banda inglesa y el más esperado en la última década.
El cuarteto ha sido capaz de reinventarse, de dar una nueva vuelta de tuerca a su personal propuesta tan personal como intransferible. The Only One, primer sencillo en cuya versión definitiva no hay apenas variantes con la previamente publicada, es el vivo ejemplo de que The Cure tienen aún el poder de crear canciones con gancho tres décadas después de su salto a la palestra musical internacional. Ahí está el lado pop de The Cure y el reconocible falsete de Robert Smith. La locura de Freakshow, la severidad de The Perfect Boy y el romanticismo de Sleep When I’m Dead, un corte no nos olvidemos rescatado de la época de The Head On The Door, se nos mostraron con unos videoclips que no lo eran; una grabación en blanco y negro en un estudio de la MTV que no aportaba nada a los temas y de la que Robert Smith pidió públicamente perdón a sus fans por no haber tenido tiempo para grabar unos clips en condiciones. Pero 4:13 Dream es algo más que esos singles. El disco contiene otros nueve temas que vamos a analizar uno por uno: Underneath the Starsabre el álbum, con un sonido de teclados similar al de ‘Plainsong’ y con un desarrollo y un aire de nostagia como el de algunas piezas de Disintegration. Son seis minutos en los que nos encontramos con voces distorsionadas y un gran trabajo de guitarras; The Reasons Whypodría haber sido un buen single de adelanto. Un gran tema de pop marca de la casa con un estribillo impagable y perfectamente reconocible. Una canción de amor en la que se habla de suicidio: “I don’t want to bring you down about my suicide”, afirma Robert al final. Sirensong es el tema más corto de 4:13 Dream, apenas dos minutos y pico de romántico medio tiempo con una slide guitar de Porl que me trae recuerdos de ‘Jupiter crash’, aquella maravilla de Wild Mood Swings.The Real Snow Whitees más retorcida, más rockera e incisiva, perfecta para levantar un concierto, con un gran estribillo que dice “I made a promise to myself, I wouldn’t stay with anyone else”, y Robert Smith cantando mejor que nunca pero desfasando al final.
The Hungry Ghostme parece demasiado lírica, demasiado aguda, muy Bloodflowers. Pero podría ser una de esas caras B tan resultonas con las que The Cure nos han alegrado en tantas ocasiones a los fans. Los detalles de guitarras de Porl Thomson, subrayando el estribillo, es lo mejor de esta canción. Switches otra exhibición de guitarras, un duelo entre la de Robert y la de Porl. Apta para sonar entre ‘From the edge of the deep green sea’ y ‘Fascination street’. Podría haber estado perfectamente en el álbum Wish. This. Here and now. With youes la rareza del disco y quizás es el tema que hubiera descartado del conjunto porque está muy por debajo de la calidad del resto. No así The scream, una de las joyas de este 4:13 Dream, con unos Cure reconduciendo su pasión por los terrenos más misteriosos y densos. Nuevamente hay que destacar la instrumentación y la locura de Robert Smith a la hora de cantarla al borde la locura. Entre otras cosas dice “This is not a dream, this is how it is”. Tremenda. Finalmente, It’s overcierra el álbum desmarcándose de la habitual tónica de The Cure con temas lentos; aquí lo hacen con guitarras que chisporrotean, usando y abusando del wah wah en un tema que podría llegar perfectamente en los bises de un concierto.
Antes no hablé del arte que han hecho Parched Art para el disco, Porl Thompson y su hermano Undy Vella, autores de otras portadas para The Cure como la de Faith o The Top. Para mí es junto a la de Bloodflowers una de las peores en la discografía del grupo".
Este fin de semana va a ser un poco difícil para mí en cuanto a posteo de noticias de cine...ya empezaron las celebraciones de fin de año en el trabajo por los 50 años de América, los cumpleaños de los amigos (el domingo estoy en tu tono Edu), etc., así que decidí dejarles como un verdadero descubrimiento, un regalito para los que me leen y buscan nuevas bandas, a los MGMT...¿what? UNO DE LOS DEBUTS MÁS ESPECTACULARES DEL 2008, según la Rolling Stone y para este humilde servidor junto a los Black Kids.
Esta banda de extraño nombre para una banda pop (pronúnciese correctamente: Management), está conformada por dos estudiantes universitarios neoyorkinos, Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser, que, medio descubiertos por la industria discográfica y por la publicidad en los blogs (medio por el cual muchas bandas se están haciendo populares), han sacado un discazo este año: Oracular Spectacular, una joya que al ser escuchada, uno se da cuenta de que es una mezcla de todo, con inclinaciones hacia lo electrónico y la psicodelia acompañadas de exitosas melodías, sonido que han logrado en parte gracias a su productor, por Dave Fridmann, famoso por The Flaming Lips, logrando una atmósfera entre los 60 y los 80 que particuarmente me dejó perplejo.
Este disco tiene tres canciones pilares: Kids es un temón (osea, de tema excelente), una canción de base hipnótica que seguramente ha llenado las pistas y acompañado las fiestas de todo aquel que aprecie la música pop independiente divertida y bailable a lo New Order...si no me creen, vean el video:
¿Ahora sí me creen? Los otros tres temas del disco que merecen ser oídos inmediatamente son Time to Pretend, que se ha colocado entre las mejores de 2008 por a su mezcla de sonidos realmente impresionante, The Handshake con su sonido funkie y la acústica Weekend Wars, que como leí en algún blog, es una especie de mezcla de Yes y Bee Gees, de algo de los primeros Pink Floyd, lo cual le da la categoría de imperdible. No pierdan tiempo y consigan el Oracular Spectacular...me lo van a agradecer.
Conocida por unos pocos, una de las nuevas bandas norteamericanas que nos han cautivado en los últimos años es VHS or Beta, curiosa no solo por su curioso nombre de formatos de video sino por su original composición entre rock y electro pop. Formados en 1997 en Louisville, Kentucky, el cuarteto está conformado por el bajista Mark Palgy, los guitarristas Zeke Back y Craig Pfunder (este trío amigos de la época del high school) junto al baterista Mark Guindry. Tras pasar por el punk y el noise, variaron su sonido al house music, soul y disco, un cambio radical, pero habían decidido que querían hacer música para bailar. Este nuevo sonido, apoyado por teclados, vocoder, samplers y batería electrónica empezaría a ganar adeptos en sus cada vez mayores presentaciones.
Pronto, la banda lanzaría solo en formato de vinilo el EP ON & ON, presentándose como una jam-band de rock que intentaba hacer disco, con la idea de empujar los límites del dance, aunque eran fanáticos del indie pop. Después de tocar en el Festival musical South by Southwest y negociar con varios sellos discográficos, editaron Le Funk con su propio sello, On Records en noviembre del 2001, siendo una de las bandas revelaciones del año siguiente. Su segundo y el que les dio un sitial como banda con un sonido importante fue Night on Fire, puesto a la venta en septiembre del 2004, variándolo hacia el dance-punk muy a lo Daft Punk. Un disco consagratorio para el circuito indie en Norteamérica.
En los siguientes tres años, el grupo se internó en los estudios Echo Mountain en Asheville, NC, concentrándose en escribir nuevas canciones que serían producidas por Brandon Mason para su tercera placa, Bring on the Comets, la cual fue presentada en agosto del 2007. Influenciados por el new wave británico y el indie rock, que retoma sus influencias de la electrónica francesa y agrega el synth pop de los 80. La decisión de ir hacia un sonido más pop se reforzó después de un show frente a 40 mil personas en el festival colombiano Rock al Parque en Colombia en el 2005.
Aunque la respuesta de la crítica a Bring On the Comets no fue tan positiva como se esperaba (para Pitchfork.com, la biblia indie de la web, es sólo una banda más del montón), a ellos esto no les quita el sueño, porque se imaginaban que los iban a acusar de hacer revival de los 80 por el sonido muy a lo The Cure (y van cuantas bandas con esta línea); pero lo único que hacen es probar cosas nuevas y no lo hacen por los comentarios de los periodistas. Si quieres conocer más de los VHS or Beta solo tienes que escuchar “You Got Me” del Night on Fire…
